„Galerie Gleis 4: Kunst, Künstler & Geschichten – spannend erzählt, leicht verständlich.“

Attila Wittmer, es splittert, explodiert und schreit in seinen Werken

Attilla Wittmer, geb.1990 in Luzern, lebt und arbeitet derzeit mehrheitlich in seinem Studio in Brooklin, NY und in Wien. In den Arbeiten von Attila Wittmer wird der Kopf zum zentralen Ausdrucksmittel, ein dynamisches, ständig veränderbares Gefäß für die ganze Bandbreite menschlicher Emotionen. Der Kopf ist dabei nie nur ein statisches Abbild, sondern vielmehr ein Symbol für den gesamten Körper, die ganze Welt, die ganze Existenz – durchzogen von Lust und Leid.
Die Dringlichkeit, mit der Emotionen nach innen strömen oder nach außen explodieren, zeigt sich in seinen Zeichnungen als kathartischer Prozess, bei dem das Innenleben nach außen drängt, sei es durch Öffnungen, Risse oder Brüche. Es kotzt, splittert und platzt – ein visuelles Manifest des inneren Chaos.
Für Attila Wittmer ist der Kopf nicht nur ein anatomisches Element, sondern ein Katalysator und Vermittler für Gefühle, die sonst keinen Ausdruck finden. Die Energie von Wut, Hass, Liebe und Ohnmacht wird durch das Papier kanalisiert, und die Linien und Farben wirken wie Ventile für unterdrückte oder überwältigende Emotionen. Diese Arbeit ist nicht nur ein Ausdruck persönlicher Katharsis, sondern auch eine ehrliche Auseinandersetzung mit universellen menschlichen Gefühlen, die uns alle betreffen.
Sein Schaffen ist geprägt von einem intensiven Bedürfnis nach Authentizität und Direktheit – einer Konfrontation mit den oft verdrängten Facetten des menschlichen Seins. Indem er die Grenzen des Darstellbaren auslotet, entstehen Werke, die sowohl provokativ als auch zutiefst intim sind. Sie fordern den Betrachter auf, sich mit den dunklen, rohen und ungeschönten Aspekten des Lebens auseinanderzusetzen, während sie gleichzeitig die befreiende Kraft der künstlerischen Geste feiern. Die Zeichnung wird dabei zur Metapher für die unaufhörliche Bewegung von Gefühlen – sie kreischt, spritzt und fließt, und hinterlässt auf dem Papier Spuren eines Seelenzustands, der den Betrachter unmittelbar berührt.

Attila Wittmer, the artist who turns inner chaos into artworks

Attilla Wittmer, born 1990 in Lucerne, currently lives and works mainly in his studio in Brooklin, NY and in Vienna. In Attila Wittmer's works, the head becomes the central means of expression, a dynamic, constantly changing vessel for the entire range of human emotions. The head is never just a static image, but rather a symbol for the entire body, the entire world, the entire existence - permeated by pleasure and suffering.
The urgency with which emotions flow inwards or explode outwards is shown in his drawings as a cathartic process in which the inner life pushes outwards, be it through openings, cracks or fractures. It vomits, splinters and bursts - a visual manifesto of inner chaos.
For Attila Wittmer, the head is not just an anatomical element, but a catalyser and mediator for feelings that would otherwise find no expression. The energy of anger, hate, love and powerlessness is channelled through the paper, and the lines and colours act as valves for suppressed or overwhelming emotions. This work is not only an expression of personal catharsis, but also an honest exploration of universal human feelings that affect us all.
His work is characterised by an intense need for authenticity and directness - a confrontation with the often repressed facets of the human condition. By exploring the limits of what can be depicted, he creates works that are both provocative and deeply intimate. They challenge the viewer to confront the dark, raw and unembellished aspects of life, while at the same time celebrating the liberating power of the artistic gesture. The drawing becomes a metaphor for the incessant movement of emotions - it shrieks, splashes and flows, leaving traces on the paper of a state of mind that immediately touches the viewer.

Mirko Schneider - colourful, optimistic, positiv

Mirko Schneider, a talented Italian-Swiss artist, expresses a deep connection to nature in his works. With every brushstroke he makes his soul tangible and creates art that combines tradition and emotion in a unique way. His paintings are a tribute to the harmony between man and nature and invite the viewer to see the world through his eyes – full of respect, beauty and inner peace.
Schneider’s works are characterised by gentle colour gradients and vibrant textures that capture the essence of the landscapes that surround him. His art is a window into a world imbued with the delicacy of nature and a deep understanding of its beauty.

Mirko Schneider - Farbenfroh, harmonisch, positiv

Die Audio-Biografie des italienisch-schweizerischen Künstlers Mirko Schneider beschreibt seine künstlerische Philosophie. Seine Werke bringen Mirko Schneider`s tiefe Verbundenheit zwischen Mensch und Natur zum Ausdruck die eine einzigartige Mischung aus Tradition und Emotion darstellt. Seine Gemälde werden durch sanfte Farbverläufe und lebendige Texturen charakterisiert, welche die ihn umgebenden Landschaften einfangen. Oft verwendet er auch mystische Gesichter, Tiere und Engel, die jeweils tiefere symbolische Bedeutungen tragen, um eine spirituelle Verbindung zum Betrachter herzustellen. Zusammenfassend laden seine Arbeiten dazu ein, die Welt durch eine Brille der Harmonie und Spiritualität zu erfahren.

Saint or Sinner – Mason Storm

With ‘Saint or Sinner’, British artist Mason Storm has created one of his most provocative and controversial works. The painting depicts Donald Trump as a modern saint or condemned criminal in a convict's uniform on the execution bench, hovering between veneration and damnation. Storm combines the visual language of traditional icon painting with the directness of contemporary pop culture. The result is a work that raises questions about morality, religion, power and social double standards in equal measure.
Precisely because ‘Saint or Sinner’ is so polarising, it has been picked up by the media worldwide and controversially discussed. Is it blasphemy – or a relentless reflection of our times? These areas of tension make the work an ideal starting point for a conversation about art, politics and the question of how we read images today.

"Raise Your Standard" with Jan Bielinski

Jan Bielinski`s works are characterised by a profound examination of urban living environments. He knows how to put seemingly ordinary everyday scenes in a new light, visualising both beauty and shortcomings. With his photographs, he manages to go beyond the boundaries of mere contrasts by adopting unusual perspectives and telling visual stories in the process. His camera becomes a tool for capturing the connection between the everyday and the extraordinary.

Jan Bielinski, die Poesie des Alltäglichen

Bielinski`s Werke zeichnen sich durch eine tiefgründige Auseinandersetzung mit urbanen Lebenswelten aus. Er versteht es, scheinbar gewöhnliche Alltagsszenen in ein neues Licht zu rücken und dabei sowohl Schönheit als auch Unzulänglichkeiten sichtbar zu machen. Mit seinen Fotografien schafft er es, über die Grenzen bloßer Kontraste hinauszugehen, indem er ungewöhnliche Blickwinkel einnimmt und dabei visuelle Geschichten erzählt. Seine Kamera wird zu einem Werkzeug, um die Verbindung zwischen dem Alltäglichen und dem Außergewöhnlichen zu erfassen.

“Taró Nordberg – A New Voice Bridging East and West”

“He is one of the most exciting new discoveries in the international art scene: Taró Nordberg. An artist who, with his self-developed style – Nuevo Japanese – builds bridges between Far Eastern tradition and Western avant-garde. His works feel raw and yet poetic, uniting energy, myth, and an unmistakable signature. In this episode, we talk about his origins, his influences, and the special fascination his paintings evoke. Why Taró Nordberg will not for long considered as a insider tip – you’ll find out here.”

„Taró Nordberg – Die neue Stimme zwischen Ost und West“

„Er ist eine der spannendsten Neuentdeckungen der schweizer Kunstszene: Taró Nordberg. Ein Künstler, der mit seinem Stil – dem von ihm selbst entwickelten "Nuevo Japanese" – Brücken schlägt zwischen fernöstlicher Tradition und westlicher Avantgarde. Seine Werke wirken roh und zugleich poetisch, sie vereinen Energie, Mythos und eine unverwechselbare Handschrift. In dieser Episode sprechen wir über seine Herkunft, seine Einflüsse und die besondere Faszination, die seine Bilder auslösen. Warum Taró Nordberg sicher nicht mehr lange ein Geheimtipp sein wird – das erfahren Sie hier.“

We are talking about Tamara Riedel, The Betonist, her live and her body of works

The artist, Tamara Riedel, born in Georgia and based in Switzerland, has developed a unique technique for working with concrete, often combining it with other materials such as copper and epoxy resin to create sculptures that impart a sense of apparent lightness and warmth from the cold material. A central theme of her work is female identity and self-determination, which she emphasises through the deliberate depiction of oversized breasts and vulvas, as well as sensual female faces. Her figures, often hybrid beings between human and animal or robotic, are deliberately ambiguous, provocative, and playful at the same time, frequently addressing existential and societal issues such as displacement, gender duality, or vulnerability in the modern world. Riedel’s international experience and her childhood in Soviet Georgia, shaped by monumental architecture and Soviet cartoons, strongly influence her ambivalent aesthetic and her fascination with concrete as a medium of artistic expression.